Archivo para la Categoría "Cine"

GRAN TORINO

FICHA TÉCNICA (AMPLIADA):

Título: Gran Torino

Título original: Gran Torino

Dirección: Clint Eastwood

País: Estados Unidos, Australia

Año: 2008

Duración: 116 min.

Género: Criminal, Drama

Reparto: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, Brian Haley, Geraldine Hughes, Dreama Walker, Brian Howe, John Carroll Lynch, William Hill, Brooke Chia Thao, Chee Thao, Choua Kue, Scott Eastwood, Xia Soua Chang, Sonny Vue, Doua Moua, Greg Trzaskoma, John Johns, Davis Gloff, Thomas D. Mahard, Cory Hardrict, Nana Gbewonyo, Arthur Cartwright, Austin Douglas Smith, Conor Liam Callaghan, Michael E. Kurowski, Julia Ho, Maykao K. Lytongpao, Carlos Guadarrama, Andrew Tamez-Hull, Ramon Camacho, Antonio Mireles, Ia Vue Yang, Zoua Kue, Elvis Thao, Jerry Lee, Lee Mong Vang, Tru Hang, Alice Lor, Tong Pao Kue, Douacha Ly, Parng D. Yarng, Nelly Yang Sao Yia, Marty Bufalini, My-Ishia Cason-Brown, Clint Ward, Stephen Kue, Rochelle Winter, Claudia Rodgers, Vincent Bonasso

Guión: Nick Schenk

Web: www.grantorino-es.com

Productora: Warner Bros., Village Roadshow Pictures, Malpaso Productions, Gerber Pictures, Double Nickel Entertainment, Media Magik Entertainment, Matten Productions

Presupuesto: 35.000.000,00 $

Casting: Cedric N. Lee Ellen Chenoweth Geoffrey Miclat, Janet Pound, Kathy Mooney, Molly Pound

Departamento artístico: Douglas S. Reilly, Edward J. Protiva, James R. Lord, Kai Blomberg, Loren Nickloff, Michael Semon, Missy Parker, Scott Schutzki, Steven Ladish

Departamento de transportes: Alana Stelling, Billy Neckrock, Demond Dickerson, Domiciano Rodriquez, John ‘Detroit’ White, Kirk Roberts, Larry Stelling, Mike Bilkovic, Nicholas Acquaviva, Tony Barattini

Departamento editorial: Blu Murray, Larry D. Webster, Mark Sahagun, Tony Dustin

Departamento musical: Chris McGeary, Daniel J. Johnson, David Low, Renzo Mantovani

Dirección: Clint Eastwood

Dirección artística: John Warnke

Diseño de producción: James J. Murakami

Efectos especiales: David A. Poole, Dominic V. Ruiz, Hank Atterbury, Michael DePietro, Ryan A. Riley, Shari Ann Riley, Steve Riley

Efectos visuales: Andrea Caretta, Brian Hanable, Chad E. Collier, Darren Poe, Erin L. Nelson, Francisco Ramirez, Janice Barlow Collier, Joe Farrell, Julian Levi, Kelly Port, Kyle Mulqueen, Mark Freund, Wilson Tang, Yoshi DeHerrera

Fotografía: Tom Stern

Guión: Nick Schenk

Historia original: Dave Johannson, Nick Schenk

Maquillaje: Jay Wejebe, Kevin J Edwards, Kimberley Kirkpatrick, Kimberly Jones, Louise Holoday, Tania McComas

Montaje: Gary Roach, Joel Cox

Música: Kyle Eastwood, Michael Stevens

Producción ejecutiva: Adam Richman, Jenette Kahn, Tim Moore

Sonido: Alan Robert Murray, Beth Sterner, Bub Asman, Flash Deros, Gail Carroll-Coe, Jason King, Juno J. Ellis, Katy Wood, Kevin Murray, Lisa J. Levine, Michael Dressel, Randy Singer, Robert Fernandez, Robin Harlan, Ryan Murphy, Sarah Monat, Shawn Sykora, Walt Martin, William Cawley

Vestuario: Cheryl Scarano Deborah Hopper Diana Edgmon

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GRAN TORINO

Sinopsis: 

La película muestra la vida de Walt Kowalski, un veterano de la guerra de Corea, trabajador jubilado del sector del automóvil.Es un americano patriótico con una voluntad de hierro y con un gran desprecio hacia los extranjeros, en concreto hacia los asiáticos. Su máxima pasión es cuidar de su más preciado tesoro: un coche Gran Torino de 1972. Tras la muerte de su mujer, una familia asiática se translada a su barrio y se convierten en sus vecinos. Al principio siente un gran desprecio hacia ellos, y más cuando Tao intentó robarle el gran torino, pero con el paso del tiempo supera su aversión y acaba llevándose bien con Tao, su vecino asiático, al que salva en varias ocasiones de una banda de pandilleros asiáticos. Tras el intento de robo y salvarlo, Tao comienza a trabajar para Walt. A partir de este punto ambos entablan una relación de amistad que propicia que Walt deje a un lado los prejuicios sobre los extranjeros. Tras secuestrar la pandilla a la hermana de Tao, Walt decide solucionar el problema y acabar con ellos, pero estos terminan asesinándolo a tiros al pensar que estaba armado. Al final en su testamento, deja su casa a la iglesia y su gran torino a su amigo y vecino Tao.

 

 

Opinión personal: 

En ésta película se muestra una historia asombrosa sobre un hombre que se muestra totalmente cerrado al mundo, apenas mantiene relación con su familia y es negativo en casi todo lo actual, comparándolo con el pasado; sin embargo es muy interesante como uno de sus odios, en este caso el racismo hacia personas de origen asiático desaparece, debido a que se adentra en una de estas familias, ya que eran sus vecinos, y según los conoce ve que tienen cosas muy buenas, que la sociedad actual de su país desconocía y por lo tanto no tenía, como por ejemplo un gran respeto por la tradición, el honor, etc.. que como digo en la sociedad norteamericana eran bastante difíciles de encontrar.

En cuanto a la banda sonora, no juega un papel imprescindible en la película, ya que yo por lo menos ni me enteré, quizás ni siquiera la hay, cosa que no hace de menos a la película.

Lo que más me impactó de la película fue su final, inesperado totalmente, al menos para mí, es su punto fuerte indudablemente. Recomiendo totalmente ver esta gran película que pienso que es para todos los públicos, exceptuando algunas escenas de violencia, pero que creo actualmente no impactaría a los niños, porque a veces están acostumbrados a cosas peores.

Trailer de la película: 

SENTIDO Y SENSIBILIDAD

FICHA TÉCNICA (ampliada):

Título: Sentido y sensibilidad

Título original: Sense and sensibility

Dirección: Ang Lee

País: El Reino Unido, Estados Unidos

Año: 1995

Duración: 136 min.

Género: Drama, Romance

Reparto: James Fleet, Tom Wilkinson, Harriet Walter, Kate Winslet, Emma Thompson, Gemma Jones, Hugh Grant, Emilie François, Elizabeth Spriggs, Robert Hardy, Ian Brimble, Isabelle Amyes, Alan Rickman, Greg Wise, Alexander John, Imelda Staunton, Imogen Stubbs, Hugh Laurie, Allan Mitchell, Josephine Gradwell, Richard Lumsden, Lone Vidahl, Oliver Ford Davies, Eleanor McCready

Guión: Emma Thompson

Distribuidora: Columbia TriStar Films de España

Productora: Columbia Pictures Corporation, Mirage

Presupuesto: 16.500.000,00 $

Agradecimientos: Brenda Walton, D.A. Doran, Eric Thompson, Humphrey Barclay, John Kouwenhoven, Josephine Webb, Margaret Devitt, Sarah Eastel, Stephen Fry, William Horberg

Casting: Michelle Guish Suzy Catliff

Coproducción: James Schamus, Laurie Borg

Departamento artístico: Alan Titmus, Anthony Rhone, Arthur Wicks, Christina Moore, Darren Reynolds, Darryl Carter, Gary Fox, Gill Ducker, Graham Stickley, Harold Burst, Jack Carter, John Behan, John Hedges, Kenneth Langridge, Kenneth Welland, Lee Shelley, Les Hall, Mark Fruin, Mark McNeil, Norman North, Philippa Hart, Pippa Marks, Robert Harper, Roger Willis, Roy Biggs, Sophia Müller, Stan Cook

Departamento de transportes: Brian Bassnett, Eddie Kaye, Gerard Bryson, Gerry Gore, Jed Bray, Peter Brook, Roy Bond, Sonny Donato

Departamento editorial: Edward Berger, Jeanette King-Segnini, Larry Richardson, Mark Ginsberg, Patricia Sztaba, Stan Sztaba, Susan Littenberg

Departamento musical: Lawrence Ashmore, Maggie Rodford, Paul Hulme, Robert Ziegler, Roy Prendergast, Tonia Davall, Tony Stanton

Dirección: Ang Lee

Dirección artística: Andrew Sanders, Philip Elton

Diseño de producción: Luciana Arrighi

Efectos especiales: Jeff Clifford, Ricky Farns

Efectos visuales: Daniel Leung, Kathy Kelehan, Randall Balsmeyer

Fotografía: Michael Coulter

Guión: Emma Thompson

Maquillaje: Astrid Schikorra, Barbara Taylor, Jan Archibald, Miri Ben-Schlomo, Morag Ross, Sallie Jaye

Montaje: Tim Squyres

Música: Patrick Doyle

Novela original: Jane Austen

Producción asociada: Geoff Stier

Producción ejecutiva: Sydney Pollack

Sonido: Andrew Kris, Chris Gurney, Cynthia Leigh Heim, Jaya Bishop, Jennifer Ralston, Joe Cimino, Juan Carlos Zaldívar, Linda Russo, Mary Ellen Porto, Paul Carr, Pietro Cecchini, Reilly Steele, Robert Farr, Seth Anderson, Steve Hamilton, Steve Silkensen, Tony Dawe

Vestuario: Anna Kot, Janet Tebrooke Jenny Beavan Joe Hobbs John Bright Sue Honeybourne, Yvonne Hobbs

SENTIDO Y SENSIBILIDAD

Sinopsis:

Elinor y Marianne, las dos hermanas protagonistas de esta novela, experimentan y viven el amor de manera radicalmente opuesta. Mientras la primera actúa dominada por la prudencia, en la segunda prima la pasión. Cada una de ellas tiene un modo diferente de enfrentarse a la vida: Elinor lo hace con seriedad y decoro mientras Marianne da rienda suelta a sus emocionantes. La vida de ambas hermanas cambiará con una repentina invitación a Londres, donde tendrán sorpresas que les enseñarán algunas lecciones que jamás podrán olvidar. Pero más allá de esta historia de amor, nos encontramos también con un maravilloso y realista retrato del mundo que vivió la autora. La descripción del ambiente de la nobleza y de la burguesía rurales de la Inglaterra de fines del siglo XVIII, junto al refinamiento, ironía, delicadeza y una excelente pintura del alma y los sentimientos de sus personajes, convirtieron a Jane Austen en uno de los clásicos de la literatura inglesa, que hoy ha recobrado plena vigencia.


Opinión personal:

Pienso que ésta es una película para pocos, no para una multitud como suelen serlo la mayoría de las películas. Es decir, no para entendidos o para “iniciados” sino para amantes del cine, ya que ésta obra maestra no está hecha para que gente que espera ver acción, vértigo, efectos especiales, sexo, violencia, como estamos acostumbrados, sino que se trata de un film tranquilo y de emocionante historia, sin abarcar estos temas tan actuales en el cine de hoy en día.
Gente que no espere ver acción, vértigo, efectos especiales o sorpresivos giros en el guión, sino una tranquila, sentimental y hermosa historia.

Una increíble fotografía, ya que cada escena es como un cuadro, y buenísimas actuaciones por parte de los actores que actúan en la película.

Una trama de inflexibles normas sociales rige el comportamiento de los personajes que en contadas ocasiones dejan descubrir sus verdaderos sentimientos, exceptuando a Marianne, ya que se deja llevar por sus sentimientos, y aunque ahora nos parezca prudente y no demasiado impulsiva, hay que pensar que para aquella época, era extremadamente impulsiva e imprudente. Aunque creo que éste ambiente de extremada rigidez, de cada gesto contenido, el protocolo que había que seguir, sirve para controlar la elevada pasión que se vive a lo largo de toda la película.

Espero poder volver a verla algún día, ya que me ha gustado mucho y la recomendaría, pero como ya he dicho al principio a aquella personas que no sólo esperen ver en una película las tramas y enredos a los que estamos acostumbrados en la actualidad.

Trailer y banda sonora de la película:

El cine años 30

A partir de 1927, con la creación de El cantor de jazz, el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado. Otro paso importante para el cine fue la creación de la técnica cinematográfica conocida como doblaje por parte de la Paramount Pictures en 1927. Con el paso de los años, esta técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con “La feria de las vanidades” de Rouben Mamoulian , aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con “Lo que el viento se llevó” . La mejora de los procesos del registro del color y la disminución de los costes frente al blanco y negro, hizo que se filmaran más películas en color.

George Dewey Cukor fue un director de cine estadounidense. Se lo ha etiquetado como director de actrices, pues supuestamente supo arrancar sus mejores interpretaciones a las actrices que trabajaron con él. Cukor comenzó su trayectoria cinematográfica con Grumpy (1930), un melodrama protagonizado por Cyril Maude y basado en una obra de teatro. Durante la década de los treinta comenzó a mostrar interés por todo tipo de historias, desde el drama protagonizado por Tallulah Bankhead, Honor mancillado (1931) o Hollywood al desnudo (1932), cuyo guión fue nominado al Oscar, hasta la comedia romántica en Cena a las ocho (1933), protagonizada por Marie Dressler. Su película Mujeres estuvo protagonizada por Norma Shearer, Joan Crawford, Paulette Goddard y Rosalind Russell. No hubo ningún hombre en el reparto.

Alfred Joseph Hitchcock fue un director de cine británico nacionalizado estadounidense.

En 1929 filmó La muchacha de Londres, su primera película hablada. A partir de 1934 empieza a rodar una serie de películas de suspense que le dan fama mundial y que fueron su pasaporte a Hollywood. Si tuviéramos que elegir una película de suspense como resumen de su etapa británica ésta sería, sin duda, 39 escalones. Otras de sus películas destacadas son Juego sucio, Ricos y extraños y Sabotaje

El cine años 20

El 6 de octubre de 1927 sucede un hecho revolucionario para la historia del cine, se proyecta por primera vez “El cantor de jazz”, de Alan Crosland, la primera película no muda.

Se iniciaba así una nueva era para la industria del cine a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado. También para los actores, muchos de ellos desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a la apariencia física.

Sir Charles Spencer Chaplin fue un actor cómico, compositor, productor y director cinematográfico inglés. Es considerado una de las figuras más representativas del humorismo y adquirió popularidad en la época del cine mudo. Destacó en cine desde principios de la década de 1920 hasta los años 1950. Filmó alrededor de noventa películas, entre ellas Carreteras sofocantes (1914), La quimera del oro (1925),Luces de la ciudad (1931),Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940).

Friedrich Christian Anton Lang, conocido como Fritz Lang fue un director de cine de origen austríaco que desarrolló su carrera artística en Alemina y en Estados Unidos. Durante su época alemana dirigió clásicos como Metrópolis(1927) y M, el vampiro de Düsseldorf (1931).

Desde mediados de los años 1930, trabajó en Hollywood, siendo uno de los principales artífices del género conocido como cine negro. Es también considerado uno de los grandes cineastas de la historia del cine. En sus inicios, contribuyó al movimiento expresionista alemán, con películas como Metrópolis.

El origen del cine

El cine, es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento mostrando algún vídeo. La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1985, fecha en la que, Louis y Auguste Lumière realizaron la primera proyección de cine, llamada “Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir”, fueron 10 o 12 pequeños documentales que dieron inicio a lo que ahora conocemos como arte, industria y espectáculo; una combinación entre ciencia y reflectores, fama y fortuna. En esos segundos proyectaron la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto. La proyección fue un éxito no solo en Francia, sino también en el resto de Europa y en Norteamérica. Gracias a este éxito los hermanos Lumière proyectaron en un año más de 500 películas, de las que destacan Llegada de un tren a la estación de la Ciotat, El desayuno del bebé y El regador regado, películas que acabaron aburriendo al público al ser muy monótonas por la ausencia de actores y decorados y por la brevedad.

Tras los hermanos Lumière, George Méliès revolucionó el cine al desarrollar nuevas tecnologías y al contar historias ficticias. Su principal aportación al cine es Viaje a la Luna en la que introdujo los primeros efectos especiales. Otra de sus películas importantes fue Viaje a través de lo imposible, que también cuenta con algunos efectos especiales.

David Wark Griffith está considerado el creador del modelo americano de representación cinematográfica (o montaje invisible), por lo que fue llamado «El padre del cine moderno». Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte: En sus obras maestras “El nacimiento de una nación” (1914) e “Intolerancia” (1915), dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.

El acorazado Potemkin es una película muda de 1925 dirigida por el cineasta ruso Sergéi Eisenstein. Se la considera una de las mejores películas de la historia cinematográfica. Es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. En esta obra Sergéi Eisenstein introdujo inclinaciones de cámara que daban como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relataba. Se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente.

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